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SUMMARY:Céramiques gourmandes
DESCRIPTION:Céramiques gourmandes \ndu 21 juin 2019 au 28 mars 2020Fondation BernardaudLimoges \nhttps://www.bernardaud.com/fr/la-maison-bernardaud/la-fondation-d-entreprise-bernardaud \nQuand l’art devient gourmet\, gourmand et complètement baba des plaisirs de la bouche\, qu’il invente des mets\, des desserts\, des pièces montées ou des scènes de banquets\, qu’il nous met le nez dans nos assiettes\, qu’il interroge notre rapport à la nourriture (coupable\, sensuel\, problématique)\, ça donne « Céramiques Gourmandes »\, avec des artistes qui sont la crème de la crème dans le domaine de la céramique. \nCette exposition réunira 14 artistes internationaux : Chris Antemann (USA)\, Bachelot Caron (France)\, Anna Barlow (Grande- Bretagne)\, Charlotte Coquen (France)\, Christina Erives (Mexique)\, Jae Yong Kim (Corée)\, Juujuu Kim (Corée)\, Yuko \n\n\n\n\nKuramatsu (Japon)\, Kaori Kurihara (Japon)\, Shayna Leib (USA)\, Susan Nemeth (Grande-Bretagne)\, Marie Rancillac (France)\, Dong Won Shin (Corée) et Jessica Stoller (USA). \n  \n\n\nShayna Leib Gâteau aux mures © Eric Tadsen
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SUMMARY:Théières en goguette
DESCRIPTION:Théières en goguette\, Naissance et évolution d’un art de vivre \nNée au début du 16e siècle en Chine\, la théière va connaître une diffusion fulgurante. Elle parvient en Europe par le biais des grandes Compagnies des Indes orientales\, de puissantes entreprises commerciales. Plus qu’un simple objet utilitaire\, aujourd’hui bien connu dans nos contrées\, la théière représente un art de vivre et répond à des habitudes et des coutumes qui se propageront dans les couches sociales les plus élevées. Son usage s’imposera plus largement tout au long du 18e siècle.Cette exposition\, conçue par la médiation culturelle\, fait aussi appel à vos sens. Outre la vue\, l’odorat rarement convié dans les musées est sollicité\, sans compter quelques activités autour du goût. La diversité des styles\, des décors ou des éléments ajoutés – prises\, goulots ou anses – révèlent une mode en perpétuelle évolution.
URL:https://sfeco-asso.org/event/theieres-en-goguette/
LOCATION:Musée Ariana\, Avenue de la Paix 10\, Genève\, 1202\, Suisse
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SUMMARY:Kyoto: Capital of Artistic Imagination
DESCRIPTION:JULY 24\, 2019–JANUARY 31\, 2021 \nFocusing on the main turning points in the cultural history of Kyoto from ancient to modern times\, Kyoto: Capital of Artistic Imaginationplaces special emphasis on the decorative arts. Over eighty masterworks of lacquers\, ceramics\, metalwork\, and textiles from The Met collection\, including a number of recently acquired works of contemporary art are showcased. A selection of over fifty paintings by masters of various schools are accompanied by a rare fourteenth-century suit of armor\, splendid export lacquers made for the European market in the late sixteenth-century\, exquisite eighteenth-century Noh robes\, as well as austere tea wares with characteristic imperfections. \nHeian-kyō\, as modern-day Kyoto was once referred to\, became the seat of the imperial court in 794 and remained the capital of Japan until 1869\, when the court was transferred to Tokyo. The rich cultural heritage of this city was profoundly shaped by the presence of the emperor and aristocrats as well as high-ranking warriors\, varied groups of artists\, and literati working in the orbit of the palace. Buddhist temples\, Shinto shrines\, Noh theaters\, workshops of painters and lacquer artists\, ceramic kilns\, textile shops\, a flourishing tea culture\, and bustling market districts\, as well as supremely elegant architecture and gardens contributed to the advancement of the vibrant cultural life of Kyoto. \n\n\n\nThe exhibition is made possible by The Miriam and Ira D. Wallach Foundation Fund.
URL:https://sfeco-asso.org/event/kyoto-capital-of-artistic-imagination/
LOCATION:The Metropolitan Museum of Art\, 1000 Fifth Avenue New York\, NY 10028 Phone:\, New York\, NY 10028\, United States
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SUMMARY:Sunken Treasures
DESCRIPTION:The exhibition Sunken Treasures features ceramics and other objects found aboard eight shipwrecks dating from the ninth to the nineteenth century. The ceramic treasures tell fascinating stories about the Maritime Silk Road in Asia and reveal a hitherto unknown world of international trade and exchange. \n\n\n\n\n\nShips from all over the world sailed the Maritime Silk Road for centuries in search of pepper\, silk and porcelain. Sometimes the ships that perished lie on the seabed for centuries as time capsules. The wrecks and certainly the well-preserved ceramics provide a trove of information. \nThe ship San Diego demonstrates that Spain was already a major player in international trade around 1600. It sank during a battle because it was overloaded with cannon\, ammunition and provisions. Salvage operations revealed that the San Diego contained products from all over the world. For example\, the Kraak porcelain in its hold was purchased from Chinese traders in the port of Manila. The Dutch VOC ship Witte Leeuw sank thirteen years later\, after attacking two Portuguese vessels. Greed cost the Dutch their lives: the powder room exploded and the merchandise aboard ended up at the bottom of the sea\, a great loss for the VOC. \n\n\n\n\n\n\nKraakware\, China\, early 17h century\n© Ottema-Kingma Found.
URL:https://sfeco-asso.org/event/sunken-treasures/
LOCATION:Princessehof National Museum of Ceramics\, Grote Kerkstraat 9 8911 DZ Leeuwarden\, 8900 CE Leeuwarden\, Netherlands
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SUMMARY:De Terre et de Soie.
DESCRIPTION:De Terre et de Soie. \ndu 18 septembre 2019 au 19 janvier 2020Fondation Baur\,Genève \nhttps://marielaureguerrier.com/portfolio/exposition-a-la-fondation-baur-a-geneve-2019-2020/ \n \n\nMarie-Laure Guerrier et In-Sook Son. Telles sont les deux créatrices contemporaines que la Fondation Baur\, a choisi de réunir durant quelques mois dans le cadre d’une rencontre inédite\, au croisement des arts de la céramique et du textile. Aux accords « culturels » et chromatiques rapprochant les deux artistes\, s’ajoutent une manière semblable et rare de jouer avec les transferts de matériaux – céramique\, textile et peinture – une soif aussi d’explorer tous les possibles de leurs métiers respectifs. \nVibrants\, séducteurs\, comme des soieries dansant avec la fluidité de l’air\, certains revêtements des pièces tournées de l’artiste française Marie-Laure Guerrier frappent par leurs aspects textiles. Aux fines toiles de porcelaine qui semblent repousser jusqu’à leurs confins les potentialités expressives de la céramique\, à la douceur des céladons\, aux émaux lumineux\, aux grès cristallisés\, l’univers de In-Sook Son\, brodeuse coréenne\, répond avec majesté\, baigné des matériaux et des couleurs traditionnels de la Corée\, par des « peintures de soie » d’une virtuosité troublante. \n\n\n\n \n\n\n\n \n\n\nMarie-Laure Guerrier\, Coupe en porcelaine
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LOCATION:Fondation Baur\, Genève\, Suisse
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SUMMARY:Inspired by the East
DESCRIPTION:Inspired by the East – How the Islamic world influenced western art  \ndu 10 octobre 2019 au 26 janvier 2020Bristish Museum\,London \nhttps://www.britishmuseum.org/whats_on/exhibitions/east.aspx \nCharting the fascinating history of cultural and artistic interactions between East and West\, this exhibition explores the impact the Islamic world has had on Western art for centuries.Artistic exchange between East and West has a long and intertwined history\, and the exhibition picks these stories up from the 15th century\, following cultural interactions that can still be felt today. Objects from Europe\, North America\, the Middle East and North Africa highlight a centuries- old tradition of influence and exchange from East to West. The diverse selection of objects includes ceramics\, photography\, glass\, jewellery and clothing\, as well as contemporary art\, showcasing how artistic exchange influenced a variety of visual and decorative arts. The exhibition concludes with a 21st-century perspective\, through the eyes of four female artists from the Middle East and North Africa who continue to question and subvert the idea of Orientalism in their work and explore the subject of Muslim female identity. \nThe show takes a deeper look at the art movement of ‘Orientalism’ – specifically the way in which North Africa and the Middle East were represented as lands of beauty and intrigue\, especially in European and North American art. Often blurring the lines between fantasy and reality\, Orientalist art reached its heyday in the mid-1800s\, as Europeans and North Americans were looking overseas to fundamentally learn more about other cultures\, but its popularity had faded by the 1940s with the decline of the British Empire. \n\n\n \n\n\nGlazed and gilded pottery dish\, Iznik\, Turkey. Ottoman dynasty\, 1601– 1625.
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LOCATION:British Museum\, London\, United Kingdom
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SUMMARY:L’Asie maintenant
DESCRIPTION:L’Asie maintenant \ndu 16 octobre 2019 au 06 janvier 2020 Musée GuimetParis \nhttps://www.guimet.fr/event/lasie-maintenant/ \nL’année 2019 marque les 130 ans du musée\, qui a gardé l’esprit de jeunesse intrépide et l’âme fraîche qui caractérisaient son fondateur Émile Guimet (1836-1918). Lors de son voyage en Asie\, notamment au Japon à la fin de 1876\, outre sa quête du bouddhisme et sa visite assidue aux temples\, Émile Guimet traque la nouveauté et achète « du contemporain ». Pas une officine de céramiste qui lui échappe\, ce qui vaut aujourd’hui au musée une très belle collection de céramiques d’époque Meiji. \n\n\n\n\nIl est tout particulièrement un domaine dans lequel le musée a poursuivi très activement l’enrichissement de ses collections ces dernières années : celui de la céramique contemporaine japonaise. Citons l’œuvre Reduction de Takahiro KONDO\, mais surtout un ensemble significatif constitué de créations où les femmes occupent une place prépondérante\, comme Hakuko ONO\, Hitomi HOSONO\, Fuku FUKUMOTO\, Machiko OGAWA\, Kayoko HOSHINO\, Chieko KATSUMATA ou Yoshimi FUTAMURA. Après des siècles d’interdit\, les Japonaises accèdent à la pratique de la céramique grâce aux formations qui leur sont ouvertes dans les écoles d’art seulement après la Seconde Guerre mondiale\, en 1945 pour l’université des arts de Kyoto\, en 1952 pour celle de Tokyo. Les années 1950 ouvrent la voie au mouvement sculptural de « céramiques-objets ». Le MNAAG a fait de l’illustration de cette scène très dynamique un axe majeur de ses acquisitions et entend ainsi rendre un hommage aux femmes artistes d’Asie. \nEn miroir de la collection du musée\, est présenté un ensemble de céramiques japonaises acquises par le musée Cernuschi\, musée des arts de l’Asie de la ville de Paris\, actuellement fermé pour travaux (réouverture en mars 2020). Cette politique d’acquisition novatrice fut initiée au musée national de céramique à Sèvres par Christine Shimizu\, qui la poursuivit dans ses fonctions de directrice du musée Cernuschi\, ouvrant cette voie aux musées français.Le parcours contemporain L’Asie maintenant investit les collections permanentes\, dans le bâtiment principal place d’Iéna ainsi que dans l’hôtel d’Heidelbach\, présentant un foisonnement d’œuvres\, dont un certain nombre a été offert par les artistes. \n\n \n\n\n\n\nSeisei (Plant growth)\, 2013Fujikasa Satoko Musée Cernuschi\, Paris. \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n 
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SUMMARY:Graver la Renaissance
DESCRIPTION:Graver la Renaissance. Etienne Delaune et les arts décoratifs. \nDu 16 octobre au 03 février2020Musée National de la Renaissance – Château d’ÉcouenEcouen (Val d’Oise). \nhttps://musee renaissance.fr/sites/musee-renaissance.fr/files/dossier_de_presse_graver_la_renaissance.pdf \n \n \n\nReconnu de son vivant comme un graveur hors pair\, collectionné par les amateurs de toute l’Europe\, Étienne Delaune restera jusqu’au XIXe siècle une source intarissable d’inspiration. Cette exposition coproduite avec la RMN-Grand Palais et réalisée avec le soutien exceptionnel de la Bibliothèque nationale de France comptera plus de 130 objets\, gravures et dessins pour certains jamais exposés en France et bénéficie de prêts prestigieux venant du musée du Louvre\, du Victoria and Albert Museum de Londres ou encore des Musées du Vatican. \nElle permettra de découvrir l’œuvre de cet artiste au parcours atypique et à la vie mouvementée\, mais aussi de présenter toute la richesse des productions s’inspirant de ses modèles. De l’estampe à l’objet\, la fabrique des modèles Il n’est pas rare à la Renaissance qu’un orfèvre se tourne vers la gravure : les outils sont les mêmes et la production d’estampes lui procure un complément de revenus appréciable.Environ 450 estampes seront ainsi gravées par Étienne Delaune d’après les plus grands peintres de son temps (Rosso Fiorentino\, Jean Cousin\, Baptiste Pellerin\, Primatice). Ce qui contribue à faire d’Étienne Delaune une figure d’exception\, c’est tout autant la perfection technique de son style que son choix de graver en miniature. Ce format est en effet très adapté aux besoins des artisans\, maîtres-orfèvres\, émailleurs ou peintres verriers\, qui sont toujours à la recherche de modèles simples à copier pour décorer leur propre production. L’adéquation entre cette demande et les motifs gravés par Delaune explique qu’à la fin du XVIe siècle\, l’on retrouve ses sujets partout\, de la reliure aux vitraux\, en passant par le mobilier\, l’orfèvrerie\, les revers de miroirs émaillés ou les camées. Au XIXe siècle\, sa production va même connaitre une seconde vie au travers des multiples faux et pastiches qui nourrissent le goût des collectionneurs pour le style « Renaissance ». Du modèle à l’objet\, de l’innovation à l’archétype\, l’art de Delaune a donc traversé les siècles et les techniques en modelant\, dans son sillage\, tout un pan de l’art français.
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SUMMARY:The Eternal Feast
DESCRIPTION:The Eternal Feast: Banqueting in Chinese Art from the 10th to the 14th Century \ndu 19 octobre 2019 au 16 février 2020 \nPrinceton University Art Museum\,New Jersey\, USA \nhttps://artmuseum.princeton.edu/art/exhibitions/3479 \nThe art of feasting will bring to life a remarkable epoch of cultural flourishing\, economic development and foreign exchange in Chinese history in a groundbreaking exhibition premiering this fall. The Eternal Feast: Banqueting in Chinese Art from the 10th to the 14th Century is the first project to investigate how depictions of feasts from the influential Liao (907-1125)\, Song (960-1279) and Yuan (1279-1368) dynasties are singularly positioned to shed light on one of the most enduring and important facets of the Chinese tradition – the eternal connection between life and the afterlife. Rare\, early paintings\, including an important suite of tomb paintings exhibited together for the first time\, form the focal points of the exhibition. The paintings will be accompanied by finely made luxury items that were present at such feasts\, including ceramic\, lacquer\, metal and stone objects\, as well as textiles and jewelry that would have been worn at banquets. \nThroughout the history of China\, banquets were the preeminent social gathering for privileged elites – celebratory occasions that fostered semi-ritualized forms of social interaction over food and drink. These elaborate feasts were also crucially important events for elite society\, not only as powerful opportunities to form and regulate relationships among the living but also for extending those relationships into the afterlife. The Eternal Feast examines how these themes – human interaction among the living and connecting the living with the dead – are presented in paintings of banquets from the Liao\, Song and Yuan dynasties. \nThe exhibition\, which features approximately 50 objects\, is organized in three sections – LadiesBanqueting in Seclusion\, Gentlemen Feasting as Scholarly Business\, and Dining in the Afterlife.Related aspects of elite feasting – including costume\, cuisine\, music and dance\, as well as burialcustoms\, architecture and gardens\, artistic patronage and painterly practice – will also be explored\,offering a window into life\, death\, cuisine and art during a time period whose cultural significance extends in China to the present day.
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LOCATION:Princeton University Art Museum\, Princeton\, 08544\, United States
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SUMMARY:Kuniyoshi +
DESCRIPTION:Utagawa Kuniyoshi is renowned as one of Japan’s great artists of the nineteenth century. Manga and Anime are practically inconceivable without his visual imagery. He produced artistic and technically ground-breaking prints that were very popular with the general public. To celebrate the 150th anniversary of Austrian-Japanese friendship\, the MAK is holding an exhibition on the Japanese ukiyo-e designer Kuniyoshi and his artistic and cultural milieu. \n \nUtagawa Kuniyoshi (1797–1861) could be counted as one of the central figures in the history of Japanese color woodcut prints towards the end of the Edo Period (1603–1868). Together with the leading publishers of his era and with other artists of the Utagawa School\, including Utagawa Hiroshige (1797–1858) and Utagawa Kunisada I (1786–1864)\, he created prints that are artistically and technically ground-breaking and yet very popular among the broad-based public. As a designer of commercial products he was always scouting for fresh impulses and new themes\, and a new visual vocabulary. Besides single sheets and series\, often produced in close cooperation with the entertainment industry\, he interwove into his works cutting and cynical criticism of the upper-class establishment\, which endeavored to prevent social change through tougher censorship and restrictions. \n \n\n\n\n\nMany exhibitions on Kuniyoshi and his era have taken place across the globe in recent years\, mainly focusing on political critique and humoristic narratives\, also “tales of heroes.” Significantly\, these are the very themes that are only sparsely represented in the extensive MAK Asia Collection. \nThe MAK houses color woodcuts by Kuniyoshi and his contemporaries that in their profile and compilation are unique across the world. The collection of Japanese color woodblock prints from the late Edo Period was compiled for the most part around 1900; here\, two collector personalities must be singled out: Heinrich Siebold (1852–1908)\, whose collection found its way between 1892 and 1905 into the Viennese collections of Asian art\, and Richard Lieben (1842–1919)\, from whose estate an extensive and superlative ukiyo-e collection was bequeathed to the MAK. \nTherefore this exhibition in the anniversary year is a wonderfully fitting opportunity to show Kuniyoshi’s works in the way that only such collections with their historically compiled holdings are capable of and therefore\, in addition\, to provide insight into the strategy of European ukiyo-e collectors in Vienna around 1900. In a total of eight sections\, the exhibition KUNIYOSHI + positions his work in the center of the Utagawa school: innovations in content and aesthetics make Kuniyoshi’s oeuvre act as a mirror reflecting the great political and social changes in Japan in the nineteenth century. \n\n\n \n\n\n\n\nUtagawa Kuniyoshi\,Daruma- ken game\, 1847 © MAK / Georg Mayer \n \n\n\n\n\n \n\n\n\n\n\n\nUtagawa Kuniyoshi\, The Councilor Masatsune\, poem 94 from the series Comparisons to the Ogura anthology of the hundred poems by a hundred poets \, around 1845 © MAK / Georg Mayer
URL:https://sfeco-asso.org/event/2301/
LOCATION:MAK – Museum of Applied Arts\, Stubenring 5\, Vienne\, 1010\, Autriche
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SUMMARY:Picasso\, the challenge of ceramics
DESCRIPTION:Picasso\, the challenge of ceramics \ndu 01 novembre 2019 au 12 avril 2020International Museum of Ceramic\,Faenza \nwww.micfaenza.org/en/mostre/394-picasso-the-challenge-of-ceramics.php \n\nThe exhibition curated by Harald Theil and Salvador Haro in collaboration with Claudia Casali and Valentina Mazzotti\, plans the exceptional loan of 60 unique works of art from the collections of the Musée National Picasso-Paris.  \nIt is a corpus of works of inestimable value that faces the whole creative experience of the Spanish artist carried on with the ceramic material. The exhibition in Faenza faces\, for the first time\, Picasso’s sources of inspiration just starting from his works in Faenza. The classic ceramics (black and red figures)\, the Etruscan bucchero wares\, the popular Spanish and Italian ceramics\, the Italian “graffito” (incised decoration) of the 15th century. The iconography of the Mediterranean area (fishes\, fancy animals\, owls and birds) and the earthenware of the Mesoamerican cultures will be the protagonists of a fruitful and unique dialogue. A special section is devoted to the relation between Picasso and Faenza\, represented through the exposition of documents and photographs never exhibited before and belonging to the historic Archives of the MIC.
URL:https://sfeco-asso.org/event/picasso-the-challenge-of-ceramics/
LOCATION:International Museum of Ceramic\, Viale Baccarini 19 – 48018\, Faenza RA\, Italy
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SUMMARY:L’Inde\, au miroir des photographes
DESCRIPTION:L’Inde\, au miroir des photographes. \nDu 06 novembre 2019 -au 17 février 2020Musée GuimetParis \nhttps://www.guimet.fr/event/linde-au-miroir-des-photographes/ \n \n \n\nPrésentant quatre-vingt-dix tirages originaux\, de paysages\, d’architectures\, de scènes de la vie quotidienne ou encore de personnages\, cette exposition illustre la grandeur de la civilisation indienne\, et comment les photographes de cette seconde moitié du 19e siècle façonnèrent à l’étranger l’image d’un pays pour beaucoup encore mystérieux et inconnu.En 1839 la naissance de la photographie est annoncée à Paris. Immédiatement\, la presse britannique s’en fait l’écho dans les grandes villes indiennes. Une décennie plus tard\, Bombay\, Calcutta et Madras sont les foyers de son développement technique et artistique. \nLe Raj\, les Indes britanniques\, fondé en 1858\, offre un cadre propice à son essor\, notamment par l’entremise de militaires\, avant même l’arrivée de civils talentueux. Parmi ceux-là\, le sergent Linnaeus Tripe débute dès 1854 et se présente à l’exposition de Madras où le jury qualifie son travail de « meilleure série de vues photographiques sur papier ». La qualité de ses épreuves fait de lui un auteur majeur des débuts de la photographie. Peu après\, William Baker\, sergent retraité\, fonde vers 1861 à Murree (Pakistan actuel) le studio Baker & Burke avec John Burke qui le reprend en 1873 sous le nom de John Burke Studio. Avec son associé\, il réalise parmi les tout premiers paysages du Cachemire. \nCette invention technologique occidentale contribue à façonner l’image du pays. Les lumières de l’Inde\, travaillées par l’œil des photographes\, fournissent des sujets variés et inépuisables. Chaque État a sa part d’originalité – et plus particulièrement ceux du nord du pays pour la somptuosité de leur architecture – dans sa diversité ethnographique ou encore la majesté de ses paysages. Les villes « icônes » telles que Delhi\, Fatehpur Sikri\, Agra ou l’ancienne Bénarès (aujourd’hui Varanasi) et les sites archéologiques ou monuments célèbres (Elephanta\, Qubt Minar\, Taj Mahal) ont fasciné leurs contemplateurs qui ont su en saisir la monumentalité et la grande richesse de détail. \nLes photographes partis en quête de nouveaux espaces arrivent sur place nantis d’une importanteculture visuelle. C’est le cas de Samuel Bourne\, actif en Inde de 1863 à 1870\, qui\, à l’occasion detrois importantes expéditions au Cachemire\, fait les tout premiers paysages d’exception de cette région. Les extraordinaires vues qu’il rapporte sont un fait notable dans l’histoire de la photographie de paysage.
URL:https://sfeco-asso.org/event/linde-au-miroir-des-photographes/
LOCATION:Musée national des arts asiatiques – Guimet\, 6\, place d'Iéna\, Paris\, 75116\, France
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SUMMARY:Hokusai\, Hiroshige\, Utamaro...
DESCRIPTION:Hokusai\, Hiroshige\, Utamaro… Les grands maîtres du Japon\, la collection Georges Leskowizc \ndu 8 novenbre 2019 au 22 mars 2020Hôtel de Caumont – Centre d’artAix en Provencehttps://www.culturespaces.com/fr/hokusai-hiroshige-utamaro-grands-maitres-japon-collection-georges-leskowizc \n  \n\nL’Hôtel de Caumont-Centre d’art présente les coutumes et la culture japonaise de l’époque Edo (1600-1867)\, à travers plus de 150 estampes ukiyo-e et autres objets remarquables dévoilés au public français pour la toute première fois. Ils sont pour la plupart issus de la collection de Georges Leskowicz\, l’une des plus importantes collections d’estampes japonaises dans le monde. En plus d’objets et manuscrits anciens\, la collection de Georges Leskowicz regroupe aujourd’hui 1800 estampes ukiyo-e\, signées des grands maîtres Harunobu\, Utamaro\, Sharaku\, Hokusai\, Hiroshige dont des chefs-d’oeuvre comme Les Trente-Six Vues du Mont Fuji (1832–1833) d’Hokusai\, Les Soixante-neuf stations de la route Kisokaidō d’Hiroshige et Eisen ainsi qu’un ensemble unique en France\, de Surimono\, qui seront le coeur de l’exposition. \nLes ukiyo-e\, « images du monde flottant » en japonais\, désignent un nouvel art de vivre\, reflet des plaisirs populaires de l’ère Edo (ancienne Tokyo)\, sous la dynastie Tokugawa. Cette période est caractérisée par une effervescence artistique et culturelle mais aussi par un enfermement vis-à-vis de toute influence étrangère. \nEstampes rares et raffinées\, réalisées avec des matières précieuses et issues de techniques particulièrement élaborées\, les surimono associent des compositions figuratives et des textes poétiques. Tirées en un petit nombre d’exemplaires\, elles sont destinées à des cercles restreints d’intellectuels ou élites culturelles. Représentant ainsi la quintessence du raffinement japonais\, ces oeuvres illustrent tout l’éventail de thèmes et images caractéristiques de la vie et de la culture de l’ancien Japon parcouru dans l’exposition : les motifs naturels et les scènes de vie quotidienne ; la représentation des acteurs du théâtre kabuki et des belles habitantes de Yoshiwara ; les natures mortes liées aux célébrations du Nouvel An ; les scènes de genre et érotiques ou\, encore\, les héros et les légendes traditionnelles. \nÀ cet ensemble d’estampes particulièrement précieuses viennent s’ajouter d’autres oeuvres majeures des mêmes artistes\, mais aussi d’autres noms célèbres tels que Harunobu\, Utamaro\, Koryūsai\, Sharaku\, Toyokuni\, Kunisada. Faisant écho aux imageries des surimono\, ces estampes montrent toute la variété technique et iconographique d’un art ancestral et fascinant. \nÀ travers un parcours thématique\, l’exposition présente également des objets d’artisanat de l’époque\, soigneusement choisis dans des collections privées et publiques telles que le Musée national des arts asiatiques – Guimet à Paris et le Musée des arts asiatiques de Nice\, du Musée de la parfumerie de Grasse.Aux représentations des courtisanes font écho des kimonos\, chapeaux insolites et d’autres accessoires féminins tandis que les représentations gravées des légendes de guerriers et samouraïs sont accompagnées\, entre autres\, par des casques originaux et par des armures spectaculaires. \nDes écritoires\, des ustensiles et des objets de la vie quotidienne\, ainsi que des reproductions photographiques et des extraits de films\, constituent à immerger le visiteur dans la vie quotidienne du Japon ancien.
URL:https://sfeco-asso.org/event/hokusai-hiroshige-utamaro/
LOCATION:Hôtel de Caumont\, Aix en Provence
CATEGORIES:Asie,Exposition,Japon,Province
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SUMMARY:Une des provinces du Rococo
DESCRIPTION:Une des provinces du Rococo. La Chine rêvée de François Boucher \ndu 9 novembre 2019 au 2 mars 2020\,Musée des beaux-arts et d’archéologie de BesançonBesançon \nhttp://www.mbaa.besancon.fr/exposition-une-des-provinces-du-rococo-la-chine-revee-de-francois-boucher/ \n  \n\nFrançois Boucher\, l’une des figures les plus illustres de l’histoire de la peinture au XVIIIe siècle avec Watteau et Fragonard\, fut aussi l’un des artistes qui œuvra avec le plus de talent au renouvellement des arts décoratifs. Au moment où la Chine\, cette civilisation aussi ancienne que lointaine\, se rapproche de la France par le biais du commerce des objets d’art\, Boucher en devient l’un des collectionneurs et le porte-parole : il peint de nombreux sujets inspirés par la Chine qui se diffusent presque aussitôt dans les décors parisiens autant que dans les recueils d’estampes et\, bien logiquement\, au travers des arts décoratifs\, la porcelaine\, le mobilier et plus encore la tapisserie. \n\n\n\n\nCette exposition sera consacrée à l’une des plus belles curiosités du musée\, la série de dix peintures réalisées par François Boucher en 1742 pour servir de modèles aux lissiers des ateliers de Beauvais\, qui mettront sur le métier pendant vingt ans la seconde Tenture chinoise.Conservés au musée depuis le legs de Pierre-Adrien Pâris en 1819\, qui les avait acquis à la vente Bergeret de Grancourt de 1786\, ces modelli constituent le point de départ d’une réflexion sur la place de la Chine dans l’art de Boucher dont les commissaires\, Yohan Rimaud\, conservateur en charge des collections beaux-arts et Alastair Laing\, commissaire associé\, proposeront une approche renouvelée. \nL’exposition propose une incursion dans la Chine telle que se la représentait François Boucher\, artiste et collectionneur du XVIIIe siècle.Le parcours de l’exposition\, construit autour de cinq thèmes commencera par deux sections consacrées au commerce parisien des objets exotiques et à la collection de François Boucher. On y découvrira l’artiste comme l’un des principaux collectionneurs d’objets d’art asiatiques du XVIIIe siècle. \nEn présentant les objets d’art asiatique vendus à Paris à cette époque\, l’exposition offrira également une relecture des peintures à motifs chinois de Boucher.La quatrième section dévoilera (pour la première fois) la série de 10 peintures réalisées par François Boucher pour la tenture tissée à Beauvais en 1742. \nLa dernière section évoquera l’influence des créations de Boucher sur les arts décoratifs qui a rayonné en France et au-delà. L’exposition réunira ainsi des objets d’art asiatiques et européens\, des dessins\, estampes\, peintures et tapisseries\, qui permettront d’évoquer de manière inédite la culture visuelle de François Boucher et la pratique d’un artiste-collectionneur parisien du milieu du XVIIIe siècle. \n\n\n\n\n 
URL:https://sfeco-asso.org/event/2065/
LOCATION:Musée des beaux-arts et d’archéologie de Besançon
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SUMMARY:Bai Ming Vibrations de la terre
DESCRIPTION:Bai Ming Vibrations de la terre \nJusqu’au 15 mars 2020Kéramis Centre de CéramiquesLa Louvière\, Belgiquehttps://www.exhibitionsinternational.be/documents/catalog/objects/PDF/9782930451305_01.pdf \n\nBai Ming est né en 1965 à Yugan\, en Chine\, à une centaine de kilomètres des anciennes manufactures impériales deporcelaine deJingdezhen. En chinois\, Bai Ming signifie « lumière blanche »\, un nom prémonitoire pour un artiste enporcelaine\, et c’est précisément ce qui transparaît dans le travail céramique et pictural de l’artiste.Rénovateur de la céramique chinoise des années 90\, Bai Ming transforme les formes et la matière : les objets utilitaires deviennent des sculptures où viennent se déposer des motifs évocateurs aux couleurs chatoyantes. Après plus de 20 expositions personnelles en Chine\, en France\, en Corée du Sud\, aux États-Unis\, au Portugal… Bai Ming présente pour la toute première fois ses créations céramiques et picturales en Belgique\, à Keramis. Il s’agit de la plus importante rétrospective de l’artiste en Occident. Au total près de 200 œuvres seront présentées au public dont deuxinstallations majeures comprenant l’une 40 pièces et l’autre 80 pièces. Le commissariat de l’exposition est assuré par Christine Shimizu\, conservateur général honoraire du patrimoine et spécialistede la céramique asiatique ancienne et contemporaine. Elle a notamment occupé le poste de directrice du Musée Cernuschi\, musée d’art asiatique de la Ville de Paris jusqu’en 2015.
URL:https://sfeco-asso.org/event/bai-ming-vibrations-de-la-terre/
LOCATION:Keramis – Centre de la Céramique de la Fédération Wallonie-Bruxelles\, 1 Place des Fours-Bouteilles 7100\, La Louvière\, Belgique
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SUMMARY:Lost at sea
DESCRIPTION:Lost at sea: Art recovered from shripwrecks  \nA fierce three-headed serpent and a mysterious female deity were among the nearly two dozen 12th-century stone reliefs from Central Vietnam that lay unseen at the bottom of the Arabian Sea for nearly 120 years. Almost 5\,000 miles away in the South China Sea\, blue-and-white ceramic bowls\, plates and jars rested in the hold of a sunken ship off the coast of Vietnam for more than five centuries. \nPreserved like time capsules under the seas\, these shipwrecks contained artworks that were excavated in the 1990s by marine archaeologists\, sold at auction\, purchased by individual collectors and then donated to the museum. By tracing the pathways of these objects\, from Vietnam to the ocean floor to San Francisco\, Lost at Sea: Art Recovered from Shipwrecks asks questions about how artworks enter museum collections. What does the provenance of an object reveal? What can art salvaged from the sea tell us about trade and the colonial enterprise? Who is entitled to centuries-old artworks recovered from shipwrecks? Should they even be excavated\, or should vessels and their contents be left in situ for future generations? The ceramics are from a trading vessel that sank in the 15th century off Vietnam’s Hoi An coast with a cargo of more than 250\,000 ceramic objects made for export. After fishermen began to find porcelain shards in their nets in the 1990s\, a government-sanctioned commercial salvage operation brought up the cache\, dubbed the Hoi An Hoard. \nThe stone sculptures\, relics of the Cham culture that thrived along the coast of Central Vietnam from the 5th to the 15th century\, had been carted off from a ruined temple by a French colonial officer in the 19th century. The two works in the museum collection are from a group of 21 that were on their way to France when the steamer they were on sank off the coast of Somalia in 1877. Almost all passengers and crew were saved\, but the stone sculptures\, apparently too heavy to transport to shore\, were left in the wreckage; they were finally retrieved in 1995.\nThe exhibition includes artifacts from these two shipwrecks\, including a slowly disintegrating concretion of objects from the Hoi An Hoard\, along with maps and other materials that invite consideration of how artworks travel across time and cultures. \nArticle sur l’exposition \nhttps://news.artnet.com/exhibitions/asian-art-museum-shipwrecks-1643746? fbclid=IwAR0q1vJOBcdBwfcLujC8LFqbSBuFZPcaBHfKzmMrHuB33NOeSUlgUhapfTU#.XanQxDPkskc.facebook
URL:https://sfeco-asso.org/event/1966/
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CATEGORIES:Asie,Etranger,Exposition
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SUMMARY:L'étoffe des rêves de Lee Young-hee. Séoul-Paris.
DESCRIPTION:L’étoffe des rêves de Lee Young-hee. Séoul-Paris.10 décembre – 09 mars 2020Musée GuimetParishttps://www.guimet.fr/event/seoul-paris-letoffe-des-reves-de-lee-young-hee/ \n\nConsacrée par son pays comme la plus grande figure de la mode coréenne\, Lee Young-hee (1936-2018) a propulsé sur la scène internationale l’image d’une Corée moderne et décomplexée\, fière de son illustre passé et de sa tradition raffinée. Puisant son inspiration et sa philosophie dans le hanbok\, le vêtement traditionnel des femmes coréennes\, son art s’épanouit dans une modernité sans cesse renouvelée\, passant de la parfaite maîtrise des formes traditionnelles aux figures aériennes d’un hanbok libéré. \nLee Young-hee entame une carrière de couturière-styliste presque par hasard. Le vêtement coréen va rapidement devenir une passion qu’elle approfondit par des recherches historiques menées avec Seok Ju-seon\, spécialiste reconnue de l’histoire du costume. Ensemble elles s’attèlent à une minutieuse reconstitution de vêtements d’après les peintures des rouleaux dépeignant les cérémonies de cour de la fin de la période Choson (1394-1910). Les costumes des officiels et les costumes de cour de cette époque sont d’une extrême rareté. Lee Young-hee met en place un processus de « recréation » de ces pièces qui inclut la fabrication des soieries à l’identique\, l’emploi de teinture naturelle\, la couture et la broderie à la main ; son travail s’alimente également de la collection de ces précieuses pièces Choson – vêtements ou accessoires – qu’elle rassemble peu à peu tout au long de sa carrière.
URL:https://sfeco-asso.org/event/letoffe-des-reves-de-lee-young-hee-seoul-paris/
LOCATION:Musée national des arts asiatiques – Guimet\, 6\, place d'Iéna\, Paris\, 75116\, France
CATEGORIES:Corée,Exposition
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